À l'occasion du trentième anniversaire de la Pyramide du Louvre, Jean-Michel Othoniel a été invité par le musée à réaliser un ouvrage témoignant de l'importance des fleurs dans les huit départements que compte celui-ci. L'artiste compose un herbier inédit accompagné des notes qu'il a écrites sur le langage secret des fleurs et sur leur symbolique dans la peinture ancienne. Il en révèle ainsi leur sens caché en contant leurs histoires et leurs mythologies. Cet ouvrage se présente comme un carnet abécédaire que l'artiste a nourri au fil des salles du musée du Louvre où on retrouve le chardon dans l'autoportrait de Durer, le pavot dans la stèle funéraire de Paros, la pomme posée sur le tabouret dans le verrou de Fragonard, ou encore la pivoine dans la chemise dégrafée de la jeune fille à la cruche cassée de Greuze.
Les carrés Hermès se déploient comme jamais. Jeux de perspectives, illusion d'optique, monde fantastique... Toutes ces dimensions s'entremêlent pour offrir un ouvrage unique. Les douze pop-up, réalisés par Bernard Duisit, l'un des plus grands créateurs de pop-ups français, sont accompagnés d'un texte de Stéphane Foenkinos qui explore l'inépuisable richesse narrative de ces dessins et nous y plonge comme dans un rêve.
Anticiper les basculements du médium photographique et l'évolution des nouvelles technologies, proposer à tous les publics de faire l'expérience de l'image : telles sont les ambitions des Rencontres d'Arles, qui cette année auront lieu du 4 juillet au 25 septembre, déployant divers champs :
Reconnaissance des femmes photographes ; nombreux seront les lieux d'exposition habités par leur rayonnement et leur créativité : de figures historiques de la photographie à la découverte d'artistes oubliées ou méconnues, jusqu'à l'émergence de jeunes talents / Présence de la danse / La mémoire du colonialisme et de ses traumatismes / La nature et la lutte des peuples pour protéger les terres ancestrales sont aussi à l'honneur.
Après Anne Teresa de Keersmaeker, Carolyn Carlson, Pina Bausch et Sidi larbi Cherkaoui, la monographie d'Akram Khan nous amène à découvrir l'intégralité de ses oeuvres et son univers créatif.
Britannique d'origine bangladeshi, est né en 1974. Il étudie à l'école Parts d'Anne Teresa De Keersmaeker et fonde sa compagnie en 2000. Il atteint une reconnaissance internationale depuis 2003-2004, avec deux pièces, Kaash et Ma. Parmi les spectacles les plus emblématiques de la Akram Dance Company, on compte Until the Lions, Kaash, iTMOi, Desh, Vertical Road, Gnosis et Zero Degree.
En 1956, le photographe Harry Callahan (1912-1999), alors directeur du département de photographie de l'Institute of Design de Chicago aux États-Unis, reçoit une bourse de la Fondation Graham. Sur les conseils d'Edward Steichen, il part en Europe et séjourne à Aix-en-Provence de septembre 1957 à juillet 1958 où il conçoit une série d'études sur les vues urbaines, la nature, et de nombreux portraits de sa femme Eleanor. Trente-six ans plus tard, découvrant le chantier de la Maison européenne de la photographie à Paris, Harry Callahan revisite ses archives, sélectionne cent trente tirages d'époque, sous le nom de «French Archives», et fait don de l'ensemble au nouveau musée.
Depuis plus de 50 ans, les plus grands noms de la photographie ont participé aux Rencontres d'Arles, authentique vivier de nouveaux talents. Anticiper les basculements du médium photographique et l'évolution des nouvelles technologies, proposer à tous les publics de faire l'expérience de l'image : telles sont les ambitions des Rencontres. Le catalogue change de format et d'identité visuelle, pour fêter l'arrivée de son nouveau directeur, Christoph Wiesner.
À travers une trentaine d'expositions installées dans divers lieux patrimoniaux de la ville, les Rencontres d'Arles, placées depuis 2015 sous la direction de Sam Stourdzé, contribuent chaque été depuis quarante-sept ans à transmettre et diffuser le patrimoine photographique mondial, tout en proposant un panorama de la création contemporaine liée à l'image et à la diversité de ses problématiques et pratiques.
Between 1978 and 1981, Sophie Calle clandestinely explored the then disused Grand Hôtel d'Orsay. She settled in room 501 and proceeded to photograph and collect whatever objects she encountered in the deserted hotel, following in the footsteps of a mysterious former handyman, Oddo. More than 40 years later, room 501 has disappeared from the building: it is just another elevator in the Musée d'Orsay. What happened to room 501 and to Mr. Oddo, the ghosts of Orsay?
Figure majeure de l'art corporel en France, Gina Pane (1939-1990) a marqué les années 1970 par des «actions» à forte charge symbolique. Le corps, dont elle a révélé le langage - biologique, psychologique, esthétique et social -, a été le médium même de son oeuvre. Les blessures superficielles qu'elle s'infligeait étaient conçues, non comme une mutilation, mais comme une identification, une inscription, une façon de communi(qu)er. L'un des fils conducteurs essentiels de l'oeuvre, la question du sacré, irrigue toutes les variations formelles de son parcours.
De l'émotion qu'elle a suscitée aux réactions de rejet qui entourèrent ses gestes radicaux, Gina Pane a, malgré elle, bâti un mythe. Il n'est pas étonnant qu'elle soit regardée et citée aujourd'hui par les jeunes générations comme une oeuvre de référence, fascinante et exemplaire, que seule une nouvelle lecture peut remettre en perspective.
Sophie Duplaix relit dans sa globalité une oeuvre assimilée trop exclusivement à l'art corporel, et appréhende de façon renouvelée l'inscription historique de l'artiste, notamment grâce à l'étude et la reproduction d'oeuvres et d'archives inédites. Elle introduit progressivement le vocabulaire symbolique de l'artiste grâce à l'analyse d'une importante sélection d'oeuvres, des plus incontournables aux plus confidentielles. Elle restitue pour la première fois le réseau complexe des relations qui unissent dans une même approche conceptuelle des démarches extrêmement éloignées sur le plan formel, et replace les oeuvres dans leur contexte d'émergence et dans le faisceau de références qui les ont nourries. Elle approfondit particulièrement la question de la réception du travail de Gina Pane et des malentendus qu'il a pu susciter.
En étudiant les sculptures du portail récemment restauré de la primatiale Saint-Trophime d'Arles, des historiens et des photographes nous invitent à une exploration historique et iconographique de ce chef-d'oeuvre de l'art roman (fin du XIIe siècle), dont le programme iconographique et l'exécution sont d'une ampleur et d'une originalité rarement égalées en France. Cet ouvrage, qui constitue la réédition intégralement revue et largement augmentée d'un livre paru en 1999, est désormais complété par un deuxième volume présentant l'étude et la restauration du cloître de la cathédrale.
Le cloître de Saint-Trophime à Arles, dont les deux premières galeries présentent des sculptures d'une exceptionnelle qualité, constitue un fleuron de l'art roman et gothique en Provence. Daté des XIIe et XIVe siècles, cet édifice propose des thèmes iconographiques riches et variés, mis en valeur par la très récente restauration réalisée par le World Monuments Fund et la ville d'Arles. Cet ouvrage, publié à l'occasion de l'achèvement de ces travaux débutés en 2006, vient compléter une réédition de la très belle étude sur le portail de la primatiale, chef-d'oeuvre incontesté de l'art roman.
À travers une trentaine d'expositions installées dans divers lieux patrimoniaux de la ville, les Rencontres d'Arles, placées depuis 2015 sous la direction de Sam Stourdzé, contribuent chaque été depuis quarante-sept ans à transmettre et diffuser le patrimoine photographique mondial, tout en proposant un panorama de la création contemporaine liée à l'image et à la diversité de ses problématiques et pratiques.
The series of photographs «The Playhouses of Our Grandparents» (Les cabanes de nos grand-parents) brings us face to face with members of the older generation across the world, from France to the tiny island nation of Vanuatu (stopping along the way in places as diverse as India, Brazil, Morocco, New Zealand, Sweden, and the United States, among others). Over the last five years, Nicolas Henry has created roughly 400 portraits in more than forty countries. For each portrait, a sort of makeshift stage set or temporary playhouse was constructed using the subject's familiar possessions - a reflection of each person's history, his imaginary world: a fish-cum-helicopter during a miraculous bowfishing trip in Vanuatu; a skyscraper fashioned from odds and ends in a workers' camp in Shanghai; a smiling mama's yellow leaves from Africa attached to a shrub in her garden in France. In parallel to being photographed, the subject tells a story - his or her story - offering us a glimpse into their world.
The project was born of the realization that the world today is dominated by images of youth and by a formulaic notion of social success. What is the place of older people in our society, where the traditional means of transmitting language, stories and customs as well as knowledge of the natural world and of biodiversity have been supplanted by the media and modern systems of education ? The aging of the baby-boom generation translates primarily into economic considerations and social preoccupations, leaving little room for a humanist debate. The report on the future of French pensions, the burden they place on the social security system, the loneliness and distress suffered by the elderly (which no amount of public awareness campaigns can ever hope to alleviate) are the images that are constantly presented in the media. In creating the «Cabanes» project, Henry was motivated by a desire to build a positive connection with our elders.
Nicolas Henry was born in 1978. A graduate of the École des Beaux-Arts in Paris, he has worked as a set designer and theatre director. He collaborated with Yann Arthus-Bertrand on the project «6 milliards d'autres» (Six Billion Others), filming the photographer at work and acting as a curator of the exhibition at the Grand Palais. The project «Les cabanes de nos grand-parents» has been the subject of extensive press coverage, both in France and internationally. Nicolas Henry also created sets for Quentin Clausin's film Billion Star Hotel (scheduled for release in late 2011 / early 2012).
Jean-Marc Bustamante est l'un des artistes majeurs de la scène européenne, présent dans les collections de nombreux musées. Au fil des trois dernières décennies, son oeuvre n'a cessé d'entremêler la sculpture, la peinture et la photographie. En 1978, avec le projet de «faire de la photo qui ne rende pas compte de l'art, mais qui soit de l'art en tant que tel», il réalise ses premiers «tableaux photographiques». Il montre, en grand format et en couleur, tout juste encadrées, sans passe-partout, des vues de maisons, de bâtiments, situés à la périphérie des villes (Tableaux, 1978-1982). Sans personnages, ces prises de vue veulent «fixer un mouvement lent, celui de la terre, mais aussi celui de la décivilisation».
De 1983 à 1987, il signe meubles et objets avec Bernard Bazile, sous le logo Bazile- Bustamante.
Il poursuit ensuite un travail de sculpteur avec la série des Intérieurs, des «réminiscences d'objets découpés ayant rapport au corps» ou des Paysages, objets abstraits, reliefs muraux ou sculptures. Il présente les Lumières (1987-1993), des photos de revues d'architecture des années 1930 et 1960, en noir et blanc, qu'il rephotographie et sérigraphie sur un plexiglas dont la transparence métamorphose la représentation, car il est tenu en avant du mur par quatre supports métalliques.
Il utilise la même technique pour les Panoramas (2002), des dessins abstraits agrandis, reportés à l'encre sur plexiglas, qui lui permettent de «créer une relation nouvelle entre le mur et cet objet hybride qui n'est ni une peinture, ni une photographie, ni une sculpture, tout en relevant un peu de chacun de ces domaines». Il montre encore, en superposition, des images en couleur de grandes villes et de leurs banlieues, comme Buenos Aires, Miami, Tel-Aviv ou les abords de lacs suisses.
En 2003, des personnages apparaissent dans ses photographies : il réalise pour la Biennale de Venise Le Pavillon des Amazones, une «chapelle païenne», dans laquelle il mêle portraits photographiques, peintures et dessins abstraits sur plexiglas.
Jacinto Lageira écrit depuis toujours sur le travail de Jean-Marc Bustamante et a entrepris, avec l'artiste, une analyse des différentes séries et une étude retraçant les rapports de Bustamante avec l'histoire de l'art, de la photographie, avec la philosophie ou encore l'actualité. À ce jour, aucune véritable monographie intégrant des éléments biographiques complets et une analyse précise de chacune de ses séries ne lui a été consacrée. Ainsi, l'objet de cette publication est de faire un point complet ; elle est illustrée d'une très nombreuse iconographie établie avec la collaboration de l'artiste et d'un ensemble de photographies documentaires réunissant des points de vue sur ses expositions.
A travers une cinquantaine d'expositions installées dans divers lieux patrimoniaux exceptionnels de la ville, les Rencontres d'Arles contribuent chaque été depuis 1970 à transmettre le patrimoine photographique mondial et se veulent le creuset de la création contemporaine.
À travers plus de soixante expositions installées dans divers lieux patrimoniaux exceptionnels de la ville, les Rencontres d'Arles contribuent chaque été depuis 1970 à transmettre le patrimoine photographique mondial et se veulent le creuset de la création contemporaine.
En 1956, le photographe Harry Callahan (1912-1999), alors directeur du département de photographie de l'Institute of Design de Chicago aux États-Unis, reçoit une bourse de la Fondation Graham. Sur les conseils d'Edward Steichen, il part en Europe et séjourne à Aix-en-Provence de septembre 1957 à juillet 1958 où il conçoit une série d'études sur les vues urbaines, la nature, et de nombreux portraits de sa femme Eleanor. Trente-six ans plus tard, découvrant le chantier de la Maison européenne de la photographie à Paris, Harry Callahan revisite ses archives, sélectionne cent trente tirages d'époque, sous le nom de «French Archives», et fait don de l'ensemble au nouveau musée.
Le livre du film réalisé par Cyril Dion et Mélanie Laurent. Un voyage dans dix pays, des dizaines de solutions pour construire le monde de demain. Déjà plus de 50 000 exemplaires vendus de la version française.
« Lorsque j'ai véritablement pris conscience du changement climatique et des problèmes liés à la nécessité de se passer du pétrole, j'ai étudié les réponses que les gens y apportaient dans le monde et qui me semblaient compassionnelles. Et je n'ai rien trouvé qui me donne de l'énergie. Les Américains qui écrivaient sur le «peak oil» parlaient de se retirer dans les montagnes du Nebraska avec quatre ans de papier-toilette, des boîtes de haricots et des armes à feu. Ça ne me paraissait pas la meilleure solution... » Rob Hopkins a alors cherché comment tous ces enjeux pourraient rapprocher les gens plutôt que les séparer, comment ils pourraient stimuler leur créativité et leur capacité à innover.
This book is a series of interviews between Lionel Astruc and Vandana Shiva, worldwide icon of ecological revolution and winner of the "alternative Nobel prize". Worthy successor to Gandhi, Vandana Shiva tells about her life and fight as a leader of the alter-globalization movement, underlining such important concepts as peace and democracy, but also ecofeminism and the importance of the preservation of our planet resources. Her purpose is to explain that there is no such thing as a useless act or, as she says, no "little nobody". Every single commitment matters: that is her message to the world.
