Les Sonnets de Shakespeare ont donné lieu à de vives controverses sur leur signification autobiographique et sur la nature des relations entre le poète, le jeune aristocrate aimé et une femme brune perverse. Au-delà de ces hypothèses, la présentation de l'oeuvre par Robert Ellrodt met en évidence l'intensité dramatique et l'originalité singulière de poèmes qui vont à l'encontre des conventions littéraires et sociales de la Renaissance.
Dans cette édition bilingue, la traduction préserve la richesse des images et vise à faire entendre les harmonies du vers shakespearien sans recourir à la rime, qui trop souvent conduit au pastiche.
À l'occasion du trentième anniversaire de la Pyramide du Louvre, Jean-Michel Othoniel a été invité par le musée à réaliser un ouvrage témoignant de l'importance des fleurs dans les huit départements que compte celui-ci. L'artiste compose un herbier inédit accompagné des notes qu'il a écrites sur le langage secret des fleurs et sur leur symbolique dans la peinture ancienne. Il en révèle ainsi leur sens caché en contant leurs histoires et leurs mythologies. Cet ouvrage se présente comme un carnet abécédaire que l'artiste a nourri au fil des salles du musée du Louvre où on retrouve le chardon dans l'autoportrait de Durer, le pavot dans la stèle funéraire de Paros, la pomme posée sur le tabouret dans le verrou de Fragonard, ou encore la pivoine dans la chemise dégrafée de la jeune fille à la cruche cassée de Greuze.
"Hölderlin est la poésie en personne. La tâche du traducteur est ici d'affronter la tension - sans résolution possible - entre herméneutique et poétique. Une stricte littéralité conduirait à l'abscons. Une "belle infidèle" se déroberait à l'étrangeté de l'original. Cette nouvelle traduction s'attache à reformuler l'énigme du poème, à saisir ce qu'il y a d'achevé dans l'inachevé, à tourmenter notre langue, comme Hölderlin tourmenta la sienne, au bord de l'éclatement et de la folie. II faut répondre en poète au poète, avec ceci de particulier dans La Mort d'Empédocle que le poème dramatique est destiné à être joué et non pas seulement lu."
Avec la publication de« Purgatoire», deuxième volet de cette traduction novatrice de la «Divine Comédie »par Danièle Robert, Actes Sud se donne pour mission de contribuer à faire rayonner cette oeuvre unique, véritable monument du patrimoine mondial.
Les carrés Hermès se déploient comme jamais. Jeux de perspectives, illusion d'optique, monde fantastique... Toutes ces dimensions s'entremêlent pour offrir un ouvrage unique. Les douze pop-up, réalisés par Bernard Duisit, l'un des plus grands créateurs de pop-ups français, sont accompagnés d'un texte de Stéphane Foenkinos qui explore l'inépuisable richesse narrative de ces dessins et nous y plonge comme dans un rêve.
Le grand poème de Mistral raconte la vie des «voituriers» qui, au siècle dernier, descendaient le Rhône jusqu'à Beaucaire, Arles ou Port-Saint-Louis.
Écrit en provençal, il n'existait en version française que par celle, très datée, de Mistral lui-même. Claude Guerre en propose une traduction pleine d'allant.
Si, selon Jacques Brel, Rosa, rosa, rosam scandent le refrain du Tango du collège, le De viris de Lhomond en est, depuis deux siècles, le bandonéon. Bréviaire d'héroïsme et d'histoire romaine, ce petit livre était ainsi fait qu'on y apprenait aussi bien la concordance des temps que celle des vertus chez les fils de la Louve.
Tous ceux qui ont peiné, tous ceux qui ont rêvé sur ces pages illustres pourront, dans cette édition bilingue, vérifier s'ils ont perdu leur latin. Et peut-être le retrouver (tout en se remémorant des contresens de jeunesse), entre le texte et sa traduction.
Mais tout lecteur s'avisera que ce best-seller pédagogique inusable est bel et bien au coeur de notre mémoire culturelle. Que serait Rome, sans ses grands hommes ?
Jacques Gaillard.
Après Anne Teresa de Keersmaeker, Carolyn Carlson, Pina Bausch et Sidi larbi Cherkaoui, la monographie d'Akram Khan nous amène à découvrir l'intégralité de ses oeuvres et son univers créatif.
Britannique d'origine bangladeshi, est né en 1974. Il étudie à l'école Parts d'Anne Teresa De Keersmaeker et fonde sa compagnie en 2000. Il atteint une reconnaissance internationale depuis 2003-2004, avec deux pièces, Kaash et Ma. Parmi les spectacles les plus emblématiques de la Akram Dance Company, on compte Until the Lions, Kaash, iTMOi, Desh, Vertical Road, Gnosis et Zero Degree.
Anticiper les basculements du médium photographique et l'évolution des nouvelles technologies, proposer à tous les publics de faire l'expérience de l'image : telles sont les ambitions des Rencontres d'Arles, qui cette année auront lieu du 4 juillet au 25 septembre, déployant divers champs :
Reconnaissance des femmes photographes ; nombreux seront les lieux d'exposition habités par leur rayonnement et leur créativité : de figures historiques de la photographie à la découverte d'artistes oubliées ou méconnues, jusqu'à l'émergence de jeunes talents / Présence de la danse / La mémoire du colonialisme et de ses traumatismes / La nature et la lutte des peuples pour protéger les terres ancestrales sont aussi à l'honneur.
Pour Pasolini, les «lucioles» symbolisaient les dernières lueurs émises par toutes les formes de contre-pouvoir sous la menace des lumières aveuglantes de la nouvelle société de consommation, du spectacle et des images (La Disparition des lucioles, texte de 1975). Or ces mêmes images, quand elles sont rigoureusement et modestement pensées, savent dépolluer les esprits et invitent à résister, comme l'a montré l'historien de l'art Georges Didi-Huberman dans Survivance des lucioles (Minuit, 2009), un essai adapté par Nicolas Truong lors du Festival d'Avignon 2013. En 2014, Georges Didi- Huberman est donc tout naturellement associé au projet de l'exposition «La Disparition des lucioles".
Un lieu. Ces «lucioles» porteuses de contestation et d'espérance occupent l'ancienne prison Sainte-Anne, au coeur de la ville d'Avignon. Durant un semestre, ce bâtiment désaffecté se fait le vecteur d'un puissant imaginaire mêlant les dimensions historiques, sociales, pédagogiques et esthétiques. Le décor saisissant des différents quartiers, des couloirs et des cellules, tous inchangés depuis le départ des prisonniers, dévoile plus de deux cents installations, sculptures, peintures, photographies et vidéos.
Une collection. Enea Righi, grand collectionneur italien, prête pour l'occasion de très nombreuses oeuvres, notamment conceptuelles, représentant la diversité de la production internationale des années 1970 à aujourd'hui. Seront également prêtées des oeuvres d'autres provenances : collection Lambert, fondation Pinault, Galleria Continua, studios d'artistes...
Et tant de choses ont été faites, et bien faites avec ça, bien fait pour toi, c'est épouvantable, et le tout a été inutile encore qu'on aurait du mal à préciser ce qui eût été utile, moins de faim, ça oui sans aucun doute, et moins de guerre et moins de discrimination raciale peut-être, la discrimination sexuelle passe encore mais mais mais mais - je veux dire, notre objectif est-il d'améliorer le monde ou de dire les choses comme elles sont ou de les dire comme elles ne sont pas comme elles devraient être ou comme elles auraient pu être ou alors comme rien au monde n'a jamais été ? n.
H.
En 1956, le photographe Harry Callahan (1912-1999), alors directeur du département de photographie de l'Institute of Design de Chicago aux États-Unis, reçoit une bourse de la Fondation Graham. Sur les conseils d'Edward Steichen, il part en Europe et séjourne à Aix-en-Provence de septembre 1957 à juillet 1958 où il conçoit une série d'études sur les vues urbaines, la nature, et de nombreux portraits de sa femme Eleanor. Trente-six ans plus tard, découvrant le chantier de la Maison européenne de la photographie à Paris, Harry Callahan revisite ses archives, sélectionne cent trente tirages d'époque, sous le nom de «French Archives», et fait don de l'ensemble au nouveau musée.
Ce catalogue accompagne l'exposition "Kharmohra" qui se tiendra au Mucem à compter du 21 novembre 2019. L'Afghanistan vit depuis quarante ans au rythme des guerres, des destructions du patrimoine, des attentats, des migrations. Depuis quelques années, des programmes internationaux pour la création ont été mis en place et de jeunes artistes afghans sont rentrés de leur exil. Autodidactes ou formés dans des pays de migrations, ces artistes semblent être au seuil de tous les possibles, sans héritage à assumer, ni classicisme avec lequel rompre. Cet ouvrage donne à voir cette création contemporaine. Il explore une grande variété de formes et de supports pour exprimer l'horreur des attentats et l'omniprésence de la mort dans un espace urbain devenu hostile.
Depuis plus de 50 ans, les plus grands noms de la photographie ont participé aux Rencontres d'Arles, authentique vivier de nouveaux talents. Anticiper les basculements du médium photographique et l'évolution des nouvelles technologies, proposer à tous les publics de faire l'expérience de l'image : telles sont les ambitions des Rencontres. Le catalogue change de format et d'identité visuelle, pour fêter l'arrivée de son nouveau directeur, Christoph Wiesner.
Between 1978 and 1981, Sophie Calle clandestinely explored the then disused Grand Hôtel d'Orsay. She settled in room 501 and proceeded to photograph and collect whatever objects she encountered in the deserted hotel, following in the footsteps of a mysterious former handyman, Oddo. More than 40 years later, room 501 has disappeared from the building: it is just another elevator in the Musée d'Orsay. What happened to room 501 and to Mr. Oddo, the ghosts of Orsay?
Figure parisienne, Alfred De Dreux incarne la vitalité enthousiaste et lyrique de la génération nouvelle du XIXème. Il s'est dédié à un seul sujet, l'animal, sans concession, des scènes de cour à la vie rurale. Il avait cependant une passion, le cheval. Son oeuvre, regroupée et analysée par Marie-Christine Renault, est présentée ici dans sa totalité, à travers une monographie de l'artiste et un catalogue raisonné de l'ensemble de ses tableaux.
Figure majeure de l'art corporel en France, Gina Pane (1939-1990) a marqué les années 1970 par des «actions» à forte charge symbolique. Le corps, dont elle a révélé le langage - biologique, psychologique, esthétique et social -, a été le médium même de son oeuvre. Les blessures superficielles qu'elle s'infligeait étaient conçues, non comme une mutilation, mais comme une identification, une inscription, une façon de communi(qu)er. L'un des fils conducteurs essentiels de l'oeuvre, la question du sacré, irrigue toutes les variations formelles de son parcours.
De l'émotion qu'elle a suscitée aux réactions de rejet qui entourèrent ses gestes radicaux, Gina Pane a, malgré elle, bâti un mythe. Il n'est pas étonnant qu'elle soit regardée et citée aujourd'hui par les jeunes générations comme une oeuvre de référence, fascinante et exemplaire, que seule une nouvelle lecture peut remettre en perspective.
Sophie Duplaix relit dans sa globalité une oeuvre assimilée trop exclusivement à l'art corporel, et appréhende de façon renouvelée l'inscription historique de l'artiste, notamment grâce à l'étude et la reproduction d'oeuvres et d'archives inédites. Elle introduit progressivement le vocabulaire symbolique de l'artiste grâce à l'analyse d'une importante sélection d'oeuvres, des plus incontournables aux plus confidentielles. Elle restitue pour la première fois le réseau complexe des relations qui unissent dans une même approche conceptuelle des démarches extrêmement éloignées sur le plan formel, et replace les oeuvres dans leur contexte d'émergence et dans le faisceau de références qui les ont nourries. Elle approfondit particulièrement la question de la réception du travail de Gina Pane et des malentendus qu'il a pu susciter.
À travers une trentaine d'expositions installées dans divers lieux patrimoniaux de la ville, les Rencontres d'Arles, placées depuis 2015 sous la direction de Sam Stourdzé, contribuent chaque été depuis quarante-sept ans à transmettre et diffuser le patrimoine photographique mondial, tout en proposant un panorama de la création contemporaine liée à l'image et à la diversité de ses problématiques et pratiques.
Ce dictionnaire illustré réunit pour la première fois plus de trois mille termes français de botanique dont il fournit l'étymologie, la définition (ainsi que les différents sens chaque fois que ces derniers varient selon les auteurs), la traduction anglaise, les antonymes et synonymes, les termes associés scientifiquement ou lexicalement.
Les entrées qui le composent se rapportent aux plantes vasculaires, c'est-à-dire aux fougères et à leurs alliées (Ptéridophytes), aux résineux et aux conifères (Gymnospermes) et aux plantes à fleurs (Angiospermes) ; il serait donc mal avisé d'y rechercher des termes liés spécifiquement aux mousses, hépatiques, algues, lichens ou champignons (ces derniers formant d'ailleurs aujourd'hui un règne à part des végétaux : le règne fongique).
Relevant de domaines très divers (architecture, cladistique, écologie, génétique, morphologie, nomenclature, paléobotanique, palynologie, phylogénèse moléculaire, physiologie, phytogéographie, systématique et réglementation), les termes définis contribuent à la juste description des plantes et de leurs milieux. Il ne s'agit pas pour autant d'un ouvrage d'identification : ce n'est en effet pas une «flore», et il est inutile d'y chercher les noms des plantes.
Les définitions, qui font l'objet d'une formulation claire et courte, sont souvent accompagnées d'exemples illustrés : de nombreux dessins originaux facilitent ainsi la découverte et la compréhension. Ce généreux corpus iconographique comprend environ trois cents dessins explicatifs, vingt-quatre lettrines et trente-deux illustrations botaniques (gravures, photographies, dessins et peintures).
Véritable «thesaurus végétal», Les Mots de la botanique offrent un accès simplifié à toute la littérature botanique écrite en langues française et anglaise puisque chaque entrée propose la traduction du terme en anglais. De même, une table des équivalences anglais-français est fournie en fin d'ouvrage.
Ce vocabulaire spécialisé se rencontrait jusqu'à présent dans maints ouvrages scientifiques, notamment français ou anglais, mais n'avait jamais été systématiquement rassemblé.
Fruit de quinze années de travail, il deviendra un outil indispensable pour tous ceux qu'intéresse le monde végétal : le spécialiste comme l'amateur, le pédagogue comme le curieux, le professionnel comme le traducteur.
Depuis quelques années, Miquel Barceló a fait de la céramique son domaine de recherche et de création privilégié. Il ne s'agit pour lui ni d'une idée nouvelle ni d'une pratique récente. Par la céramique, Miquel Barceló se rattache à une tradition sans âge, mais aussi à une filiation récente, celle de deux artistes dans la lignée desquels il se plaît à s'inscrire : Picasso et Miró, deux maîtres de l'art moderne qui ont tenu l'art de la céramique en très haute estime.
Barceló commence à s'intéresser à la céramique dans les années 1990, lors de voyages en Afrique dans le pays dogon. De retour à Majorque, il poursuit un apprentissage technique auprès de Jeroni Ginard, qu'il parfait encore dans l'atelier d'Armelle et Hugo Jakubec près d'Angers ; des années de formation et de recherche, jusqu'à la création dans des ateliers napolitains du manteau de terre cuite de la chapelle de la cathédrale de Palma de Majorque (2007), chef-d'oeuvre qui le place définitivement parmi les plus grands artistes.
L'exposition et le catalogue qui l'accompagne présentent l'oeuvre récente de Miquel Barceló dans le domaine de la céramique. Réalisés à Majorque dans une ancienne tuilerie-briqueterie transformée en atelier, les récipients de terre cuite sont accidentés, entrechoqués ou perturbés par l'intervention plus ou moins brutale de briques venues s'encastrer dans l'argile encore fraîche, humanisant en quelque sorte ces formes trop familières. L'autoportrait est un thème récurrent : yeux et bouche gravés dans l'engobe de vases et d'amphores aux formes héritées de l'Antiquité ; crânes et têtes évoquant explicitement l'idée de vanité, présente comme toujours chez Barceló. Celle-ci se retrouve aussi dans les fractures, fêlures, boursouflures, toutes sortes d'accidents subis par la terre avant ou pendant la cuisson. Outre les autoportraits, il y a là des émanations du règne animal ou végétal. Les briques viennent également les perturber, les habiter, les fracasser. Des boutons de rose s'y épanouissent, des poissons vivent et se fossilisent, des briques forment de secrètes cavités. Ces pièces spectaculaires doivent leur présence autant à leur apparente fragilité qu'à la force de vie, au combat, au drame qu'elles accueillent.
Tous les thèmes de Barceló sont présents dans son oeuvre céramique. Le passage du temps et la mort s'y expriment de la façon la plus fragile et la plus durable.
Pour écrire The Tragical History of Doctor Faustus, Christopher Marlowe (1564-1593) a visiblement utilisé le livre mis en vente en 15 8 7 à la foire de Francfort, livre anonyme, intitulé : Historia von D.
Johann Fausten, mais qu'il est d'usage, depuis longtemps, d'appeler " Volksbuch ", c'est-à-dire " livre populaire ", comme si le peuple allemand lui-même en était l'auteur. Il est vrai que cette biographie sans doute fantaisiste du personnage très réel qu'a été Faust se présente comme une collection d'anecdotes drôles ou terrifiantes, dont plusieurs viennent de la tradition orale. Mais le but de l'ouvrage est clair, et avoué.
C'est un but édifiant. Il s'agit de mettre en garde les jeunes intellectuels contre la tentation d'étudier la magie. Marlowe reprend une grande partie de la matière narrative de l'Historia, aussi bien les clowneries que les épisodes tragiques. Mais il n'est pas sûr que cet athée notoire emboîte le pas aux prédicants lorsqu'il s'agit de suggérer une interprétation. Son Faust ne paraît guère héroïque. Dans son irrémédiable détresse, il n'en est que plus émouvant.
On trouvera ici l'Historia, dans la version de 1587, avec tous les chapitres qui ont été ajoutés dans les différentes rééditions de la fin du XVIe siècle. En revanche, la tragédie de Marlowe est donnée dans le texte de la première édition, posthume, de 1604 ; l'édition de 1616, qui donne un texte plus long, surchargé par des ajouts dont l'authenticité paraît douteuse, n'a pas été prise en compte.
